La mujer como objeto y productora en la obra artística

Autora: Silvia Benavides

Culturalmente, ha sido propio del hombre mirar como sujeto y de la mujer ser mirada como objeto. En el renacimiento, nace la idealización de la mujer en el arte, representando a la mujer como un objeto de deseo, del hombre como artista y espectador. La mujer representada como madre, joven virginal e inaccesible, y los artistas decidiendo cual es el ideal físico de la belleza de la mujer hasta hoy en día.

Es en el arte contemporáneo, cuando se ha  criticado ese rol asignado a la mujer, ya sea en sus acciones o ese modelo de belleza de la mujer siempre joven, a pesar de los cambios en los canónes de belleza del cuerpo, la característica primordial, es la juventud.

Con el proceso de la llamada liberación femenina, se empieza a cuestionar las formas en el que la estructura patriarcal, afecta a las instituciones sociales y educativas y en concreto a las artes, los criterios explícitos e implícitos de quien puede ser potencialmente artista, los temas representados, los criterios y objetivos en los que se basa la historia y la crítica del arte. Es entonces, cuando la mujer  quiere decidir sobre su rol de objeto y tomar el rol de sujeto para su propia representación en la sociedad, y la mujer en general, especialmente respecto a su cuerpo, hasta ahora decidido por el hombre.

Desde esta perspectiva, en cuanto al papel de la mujer, como productora de obra de artes, en el artículo de Linda Nochlin ¿Por qué no han existido grandes artistas mujeres? publicado en 1971, que es pionero en la crítica del arte feminista, analiza desde este prisma, el tema. Expone, que desde las épocas más tempranas, el aura mágica que rodea las artes representativas y a sus creadores ha dado, por supuesto, origen a mitos. 

Los poderes sobrenaturales atribuidos al artista, han funcionado históricamente, para distinguirlo de "los otros", precisamente por ese talante divino. Sin embargo la aristocracia, que ejerció como mecenas y compradora de arte, en cuanto a productores de obras artísticas, solo logró un desarrollo  respetable en plan “amateurs”, a pesar de disponer más tiempo libre y haber sido alentados por la afición  para las artes, como las mujeres. 

Pero la autora se pregunta: ¿es que el “genio” no cabe en las hechuras de la aristocracia ni en la psique de la mujer? o de lo contrario "¿no sería que las demandas y expectativas puestas frente a ambos, aristócratas y mujeres —la cantidad de tiempo dedicada necesariamente a las funciones sociales— simplemente ocasionaban que la devoción total a la producción profesional de arte estuviera fuera de discusión y fuera ciertamente impensable, tanto para los varones de clase social alta como para las mujeres en lo general, en lugar de ser una cuestión de genio o talento?”

Por eso, la respuesta del por qué no han existido grandes mujeres artistas, no se debe a la falta de genio individual pero sí en cambio, en las instituciones previstas y en los que ellas prohíben o fomentan en diversas clases sociales o grupos de individuos. La mayoría de los artistas reconocidos, provenían de familia de artistas, con un contacto con el mundo artístico desde la infancia. 

En el caso de las mujeres, como Rosa Bonheur, Marietta Robusti, hija de Tintoretto, Lavinia Fontana, entre otras, al analizar las características que tenían, se comprobó que casi todas, fueron hijas de padres artistas o, posteriormente, en los siglos XIX y XX, y  hasta muy recientemente, las artistas tuvieron alguna relación cercana, con una personalidad artística masculina más fuerte o dominante.

El hecho de que una mujer optase por una carrera artística, ha requerido romper con los convencionalismos de su papel asignado como madre y esposa, y gran dosis de rebelión, de obsesión, concentración y de tenacidad. Por esta razón, Nochlin, cuestiona los discursos canónicos de la historia del arte construidos  sobre el mito del “genio excepcional” y dando un  cambio en ese análisis al considerar los aspectos sociales que intervienen en la producción. 

A partir de los años 80, emergió una generación de artistas interesados, en los códigos de la representación y cuestionando el papel de la mujer, y el papel de la artista, dentro de la crítica feminista del arte. En 1985 Guerrilla Girls, colectivo de artistas, creado para denunciar la discriminación por sexo y raza en el mundo del arte, se propusieron criticar a las instituciones artísticas por la discriminación sufrida por las artistas en el arte contemporáneo con la famosa obra, un cartel frente al Metropolitan  Museum de Nueva York con la pregunta:

¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum? Menos del 5% de los artistas de la Sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos".

Parece ser que esa misma pregunta se viene haciendo hoy día, con la publicación del artículo ¿donde están las mujeres artistas de ARCO? publicado en elpaís.com por Lola Hierro, o cuando se critica la insignificancia, en cuanto a número, de la obra expuesta por mujeres en el Museo del Prado.

Susana Blas Maurel, historiadora del arte, plantea que las que hacen el trabajo de mantenimiento en el mundo del arte son mujeres, y quizás no interese cambiar las cosas porque las mujeres son el abnegado soporte del mundo del arte, “y trastocar la base de la pirámide de este sistema pone en peligro el modo de producción y consumo capitalista del que el arte no es sino una circunferencia más”.

Fuentes:

-Crítica feminista en la Teoría e Historia del Arte .Karen Cordero Reiman e Inda Sáez.

-Trabajadoras del Arte y economía de cuidados. Una valoración desde la experiencia personal. Susana Blas Brunel